Il est bien agréable, par un dimanche d'hiver, de passer quelque temps dans le Marais. Les brunchs y sont "cosy" et les hotels particuliers accueillants, surtout lorsque, comme l'hôtel Salé, ils abritent le musée Picasso...

L’exposition « Picasso cubiste » retrace près de 20 ans de création du (très) prolifique touche-à-tout espagnol, de ses premières expérimentations cubistes post-période rose au retour à la "normale" du milieu des années 20. 1906 - 1924 : autant d'années où Picasso (avec Braque, Gris et quelques autres, injustement ignorés ici alors que leur rôle dans la création cubiste fut essentiel) fait exploser les canons classiques de la représentation sous l'influence multiple de Cézanne, de l'art africain et océanien, de la sculpture du bas Empire romain byzantin et surtout sous l'influence de sa propre liberté d'expérimentation.

Le mot « cubisme » remonte à une boutade de Matisse, qui avait décrit comme une composition faite de « petits cubes » un paysage de Braque peint en 1908. Rupture avec l'art de la Renaissance (représentation de la Nature, invention de la perspective florentine), le cubisme fait voler en éclats les codes de la représentation et s'affranchit de l'illusion du réel pour inventer un art pictural où ce qui est à voir est ce qui est peint et non ce qui est représenté. Le signe l'emporte sur le modèle, l'idée sur le symbole: « Nous avons essayé de nous débarrasser du trompe-l’œil pour trouver le “ trompe-l’esprit ” dira Picasso. »

Dès 1906 et les premières recherches pour Les Demoiselles d’Avignon, toile-manifeste et grande absente de l'exposition (le MoMa n'étant visiblement pas très prêteur), Picasso inscrit son programme dans une logique de transition vers l'univers des signes. Détournant les codes d'une fresque de Raphaël, Picasso réalise une toile dont l'objet est la toile elle-même, et invente dans un même mouvement un exorcisme personnel (les bordels espagnols de la rue d'Avinyo, la syphillis et ses ravages sur les visages déformés) et une libération picturale sur la partie droite de la toile (la multiplication des plans). Selon les affinités, chacun retiendra donc ce qu’il veut de cette exposition cubiste : un sublime Sacré Cœur (1909-1910), une Nature morte à la guitare (1924), la toujours magique Tête de Femme (Fernande) et sa version en bronze sculptée magnifiée ici dans la chapelle, L’homme au verre et la Guitare en tôle découpée du MoMa.

Dès 1912, Apollinaire l’énonçait : « On peut peindre avec ce qu’on voudra, avec des pipes, des timbres-poste, des cartes postales ou à jouer, des candélabres, des morceaux de toile cirée, des faux cols, du papier peint, des journaux. Il me suffit, à moi, de voir le travail, il faut qu’on voie le travail, c’est par la quantité de travail fournie par l’artiste, que l’on voit la valeur d’une œuvre d’art ».

L’ambition de cette exposition est précisément de démonter les mécanismes du processus de transformation picturale mené par Picasso, du classicisme des débuts à la déconstruction analytique et méthodique des images et des sensations. Décomposition et synthèse assumées dans le même mouvement, l'art de Picasso dans ces années fertiles est un manifeste à la toute puissance du peintre, osant même s'auto-parodier dans un cubisme rococo préfigurant un autre Espagnol, Joan Miro et osant, dans un ultime pied de nez à la mode et aux tendances, se ré-emparer des sujets figuratifs dans le merveilleux portrait classique d'Olga ou les pesantes figurations du retour à l'ordre de 1924. Une révolution au sens astronomique du terme, qui, dans ses circonvolutions, allait s'enrichir d'un oeil encore plus affûté et accessoirement changer le cours de l'histoire de l'art...

"Picasso Cubiste", au Musée National Picasso à Paris. Du 19 septembre 2007 au 7 janvier 2008.